O Silêncio dos Inocentes - Descobrindo Dreyer e sua Obra-Prima Maldita, "Vampyr"

Hoje em dia, quase ninguém conhece o cinema de Carl Theodor Dreyer. Na verdade, nem mesmo os cinéfilos de plantão conhecem bem as obras de Dreyer. Fora os líricos closes de " O Martírio de Joana d'Arc"(1928), sua obra máxima para a sétima arte, pouco é preservado ou sequer divulgado sobre os trabalhos do dinamarquês. E foi procurando pelas - poucas - cópias existentes que descobri um filme injustamente abandonado no tempo. O nome: "Vampyr".

O filme em questão foi realizado em 1931, já depois da consagração do cineasta. E no mesmo ano em que Bela Lugosi se eternizava como "Drácula" e o mestre Fritz Lang lançava o fantástico "M - O Vampiro de Dusseudorf", Dreyer voltava suas atenções às antigas lendas de casos reais de vampirismo que assombraram parte da Europa no início do século. A trama foca nas estranhas aventuras do jovem Allan Gray (Julian West). Seus estudos sobre o Mal fizeram dele um sonhador, para quem a diferença entre o real e o irreal torna-se ínfima.


Dreyer realizava sua primeira produção falada. Mas isso era só detalhe. "O Vampiro" - título adotado por aqui - é um filme sonoro que se porta como mudo. As falas são raras e apenas auxiliares, enquanto todas informações e passagens importantes são transmitidas por imagens impactantes. Todas ações acontecem bem calmamente, e essa calma no meio do caos aumenta a tensão existente. O diretor resolveu filmar tudo em locação, o que ajudou muito a criar a ambientação sombria que já está presente no primeiro fotograma.

O foco no olhar, nos gestos e nas sombras são sozinhos uma aula de cinema e do poder da imagem. Que o diga a cena em que uma mulher, tomada pela maldição do vampiro, olha com um desejo insaciável para a indefesa irmã. Não há nenhuma ação impulsiva, mas seu olhar causa, por si só, um desespero e repulsa que nem Jason ou Freddy Krueger conseguiriam. A cena em que acompanhamos um caixão sendo levado pela perspectiva de quem está dentro dele mostra o estilo inovador e único do diretor, que sem dúvida inspirou os (poucos) cineastas que tiveram a sorte de conhecê-lo. É o caso do também dinamarquês Lars Von Trier - não por acaso, um dos diretores mais criativos e polêmicos da atualidade. As abordagens sobre o sacrifício feminino e a tentativa de deixar o cinema mais realista são algumas das influências dos 12 filmes que Dreyer concluiu, entre eles o também arrebatador "Dias de Ira"(1943).


"Vampyr", em certos momentos, faz os outros filmes de terror parecerem insignificantes. Misturando como poucos o sobrenatural com o realista, Dreyer criou o primeiro filme de terror psicológico - e isso quase 50 anos antes do mais famoso produto desse gênero, "O Iluminado". O filme tem um dos melhores usos de sombras da história do cinema - as cenas que envolvem o fantasma do soldado sem perna ainda são de cair o queixo. O uso de esqueletos reais, pessoas de fisionomia assustadora e locais abandonados foram o suficiente para o filme ganhar a alcunha de "maldito" que prejudicou sua carreira internacional. Era algo tão assustador que foi banido de quase todos os países do mundo. Nesse sentido, chega a ser semelhante à história de "Nosferatu". Mas nem Dreyer nem seu filme foram redescobertos e idolatrados com o tempo. Os poucos negativos que restaram estavam muito prejudicados, e algumas cenas viraram apenas vislumbres e vultos. E isso reforça ainda mais a fama de "amaldiçoado", comprovada pela aura do filme.

"Vampyr" não é um filme que assusta, mas sim que dá medo. Se você ainda não sabe a diferença, fica aqui a dica. Em tempos em que a saga "Crepúsculo" modificou a imagem dos vampiros no imaginário popular e iniciou uma nova onda de longas sobre sanguessugas, assistir ao clássico perdido é uma forma de ver uma abordagem diferente para um tema tão batido. Vampiros nunca foram mostrados de forma tão realista no cinema. Quase não há efeitos especiais em cena. E, talvez, por isso as imagens são tão assustadoras. Mesmo depois de 80 anos do seu lançamento, o filme ainda arrepia até o último fio de cabelo. Se o leitor nunca viu um filme de Carl T. Dreyer e quer saber por que alguns críticos o consideram talvez o maior de todos os cineastas, assistir a esta arrepiante fábula de terror é a melhor maneira de começar a entender.

Em Breve: Irmãos Farrelly arriscam remake de "Os Três Patetas"

Moe Howard, Curly Howard e Larry Fine faziam a alegria de jovens e adultos nas décadas de 30 e 40. Em todas sessões de cinema, um curta com suas trapalhadas era apresentado antes da atração principal. E assim "Os Três Patetas" ficaram eternizados como um dos melhores exemplos de humor atemporal e universal.

Corta para 2011. Os irmãos Peter e Bobby Farrelly, após criar o gênero "besteirol" com "Debby e Lóide" e "Quem Vai Ficar Com Mary?", resolvem anunciar seu novo projeto: fazer uma nova versão de "Os Três Patetas", com um elenco completamente novo. Começaram a surgir boatos de que Johnny Depp seria o emburrado Moe, enquanto Sean Penn ficaria com o papel do confuso Larry. Curly, o mais carismático dos três, continuava sem um ator à altura. O tempo passou, a bola do projeto baixou, mas mesmo assim os atores foram selecionados: Chris Diamantopoulos como Moe, Sean Hayes ( da série "Will and Grace") como Larry e Will Sasso como Curly.

Depois de algumas fotos oficiais, sai enfim o primeiro trailer do novo filme dos Irmãos Farrelly, do roteiro de Mike Cerrone. A trama mostra os patetas largados em um orfanato e os acompanha até a vida adulta, quando o lugar corre o risco de ser vendido. Jane Lynch, Jennifer Hudson, Larry David, Craig Bierko, Stephen Collins e Sofia Vergara também estão no elenco do filme que estréia dia 4 de maio no Brasil.

O trio (ainda) desconhecido é de fato parecido com o original, mas o carisma não é o mesmo. Uma coisa que a nova Hollywood ainda não aprendeu é que não se deve mexer nos grandes clássicos. O "King Kong" de Peter Jackson foi uma rara exceção positiva, mas normalmente o resultado sempre fica inferior ao original. O trailer indica que as piadas e o clima geral será bobinho e inocente assim como nos famosos curtas da década de 40. Os sons, as vozes, as piadas físicas, o humor pastelão... ok, está tudo lá. Mas falta uma coisa essencial e insubstítuível: a magia.

O Quarteto Fantástico - Os Beatles e o Psicodelismo de "Yellow Submarine"

Eleitos recentemente pela revista Rolling Stone como "os maiores artistas de todos os tempos", os Beatles eram bem doidos. E, como os artistas completos que foram, deixaram um legado não só na música, mas também no cinema. Os cinco longa-metragens que lançaram - 3 filmes oficiais e 2 especiais para a TV - são prova de seu estilo irreverente e um tanto excêntrico.

Enquanto o magnífico "A Hard Day's Night"(1964) - melhor registro cinematográfico já feito sobre uma banda - e o fraco "Help"(1965) são seus filmes mais divulgados, um terceiro permanece obscuro e perdido no tempo. Trata-se de "Yellow Submarine", uma viajante animação lançada em 1968. Mas não é uma animação para crianças. Todas as mensagens subliminares e doses de ironia só são percebidas por adultos e, principalmente, por fãs da banda.


Em 1966, os Beatles lançaram a música "Yellow Submarine" no álbum Revolver. Em 1967, Lee Minoff escreveu uma história baseada em letras de algumas músicas da banda de Liverpool. Essa história foi transformada em filme pelo produtor Al Brodax, que chamou George Dunning para dirigir as animações. George Martin, produtor musical dos Beatles, também participou com composições próprias que foram adicionadas à trilha sonora.

Durante a finalização do desenho, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr estavam gravando o aclamado "Álbum Branco". A agenda apertada não permitiu que eles participassem da dublagem de seus respectivos personagens. Ou seja, não são suas vozes que ouvimos - e sim, isso tira um pouco da magia. Mas sem meu aviso, esse detalhe passaria despercebido, pois as vozes são muito parecidas. Os hilários desenhos representam bem os músicos, deixando bem clara cada personalidade. John é o bobo, Paul o vaidoso, George o introspectivo e Ringo o azarado. Starr mais uma vez, assim como nos outros filmes, tem maior destaque na trama. Parece uma tentativa de aumentar seu reduzido fã clube.


A trama beira o absurdo: Os Blue Meanies (vilões azuis) atacam o paraíso colorido e musical de Pepperland para acabar com a música. Para salvar o lugar, os Beatles embarcam em uma jornada no submarino amarelo do Sgt. Pepper (ele mesmo, o da música). A trama bobinha vende a ideia de um filme infantil, mas estamos falando do auge do psicodelismo visual. Ao acompanhar as cenas coloridas e alucinantes, não sabemos ao certo o que perguntar: "Qual o sentido disso?" ou "O que eles fumaram?". Piadas à parte, essas sequências deixam claro que NENHUM outro grupo de músicos dosaram tão bem loucura e genialidade.

As animadas sequências musicais são, obviamente, o pontos alto do filme. Um puro deleite para ouvintes de boa música, com sucessos como a faixa-título, "Lucy In The Sky With Diamonds", "Nowhere Man", "Hey Bulldog", "Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band" e "All You Need Is Love". Mas nenhum alcança o trecho ao som de "Eleanor Rigby". Um momento de crítica social e lirismo que transcende o próprio filme e fica na cabeça. Afinal, Beatles não faziam só músicas dançantes e felizes.



E para os beatlemaníacos de plantão, sutilezas e indiretas invadem a tela a todo momento. Momentos como quando Ringo se perde do grupo, e Paul e George comentam:
"- Sabe, não sinto falta do Ringo."
"- Na verdade, ninguém sente."
Ou quando John se apresenta a seu alter-ego: "Eu sou o ego." São os próprios Beatles se declarando através de suas extensões animadas. Mas o diálogo que mais espelha a fama e arrogância da banda é o rápido (quase imperceptível) diálogo entre Paul e John quando eles descobrem que não conseguem quebrar uma bola de vidro gigante:
" - Não quebra, parece que é à prova de Beatles."
" - Ei, nada é à prova de Beatles."
Uma ousadia que só pode ser feita por quem está no topo do mundo. E eles de fato estavam. Ou, segundo a revista Rolling Stone e milhões de fãs ao redor do mundo, ainda estão.

A Sombra do Vampiro - Os 90 Anos da Obra-Prima "Nosferatu"

Há EXATOS 90 anos - mais precisamente no dia 4 de março de 1922 -, estreava na Alemanhha a grande obra-prima de F.W. Murnau e do Expressionismo Alemão: "Nosferatu - Uma Sinfonia do Horror".

Primeiro filme baseado no célebre romance "Drácula" de Bram Stoker, o longa teve que alterar nomes de personagens e lugares, pois os herdeiros do escritor não concederam a Murnau a autorização para realizar este filme. Após a estreia, a Justiça ordenou que se destruíssem todas as cópias finalizadas. E assim foi feito. Mas felizmente algumas delas já tinham sido distribuídas para Londres, e lá permaneceram guardadas e escondidas até a morte da viúva de Bram Stoker. E a sorte é nossa, por ter acesso a um dos maiores clássicos do cinema - que eu inclusive incluí na minha (polêmica) lista dos "20 Filmes Essenciais".

Friedrich Wilhelm Murnau começou a fazer filmes em 1919, ano em que o primeiro filme expressionista ("O Gabinete do Dr. Galigari") foi lançado. E o estilo e visual do Expressionismo Alemão inspirou e influênciou muito seus trabalhos posteriores. Como resultado, "Nosferatu" é a síntese de tudo que esse movimento tinha de mais impressionante: o contraste entre claro escuro, o visual gótico e os seres assustadores. De todos seus filmes, que ainda incluem os clássicos obrigatórios "Fausto" e "Aurora", nenhum alcançou tamanha fama e prestígio.


Ao invés de construir cenários, Murnau resolveu filmar todas as cenas em locação, em uma região isolada da Bulgária - e isso faz toda a diferença na climatização da história. O tom sinistro o transformou no primeiro grande filme de terror, chegando a ser banido da Suécia devido ao horror causado em quem o assistia. O segredo era não usar sustos fáceis, mas sim imagens hipnóticas que não saíam da cabeça.

E o responsável pela maioria dessas cenas assustadoras e hipnóticas era Max Schreck, o primeiro a representar o personagem de Drácula - aqui, no caso, Conde Orlock. Ao invés do charme ligado à imagem dos vampiros no cinema, o sanguessuga de Schreck tem o visual parecido com o de um rato, com os dentes de vampiro semelhantes ao de um roedor. O visual exótico é porque, no filme, seus ataques são uma metáfora da Peste Negra (causada por ratos) que assolou a Europa. E ainda é a maior representação do mal já vista na tela. Sempre que aparece, alguém morre ou algo ruim acontece. Sua composição de personagem foi tão marcante que gerou o boato de que ele era, na verdade, um vampiro real que fora contratado por Murnau para dar maior veracidade à personagem. Tudo reforçado pelo fato de que a palavra alemã "schreck" (seu sobrenome) significa “susto, espanto”. Essa lenda foi a base para o filme "A Sombra do Vampiro", dirigido por E. Elias Merhige. Nele, John Malkovich interpreta um atormentado Murnau, enquanto Willem Dafoe foi indicado ao Oscar de Coadjuvante pela atuação como o vampiro Schreck.


Após assistir ao filme, é normal sentir um clima pesado. E esse é o grande diferencial, que o torna único e inimitável. Mestre alemão do cinema, Werner Herzog tentou refilmá-lo em 1979, com Klaus Kinsky no papel principal. O resultado é bom, mas não se compara ao tom macabro e sinistro do original. Assim como nenhum filme de vampiro feito posteriormente - nem mesmo o famoso Drácula de Bela Lugosi.

Há nove décadas, Murnau e Schreck criaram a melhor representação do mal nas telas do cinema, ainda incomparável. Um dos primeiros filmes mudos a que assisti, "Nosferatu" é uma aula de cinema em sua essência, atemporal e universal. E uma obra que, assim como um vampiro da noite, nunca perderá seu encanto ou magia.

O Criador de Galáxias - Ralph McQuarrie (1929-2012)

Poucos conhecem Ralph McQuarrie de nome. Mas ele foi o designer de produção da saga Star Wars, a grande mente criativa que ajudou na transposição do fantástico mundo criado por George Lucas para as telas do cinema. Ele faleceu ontem, aos 82 anos de idade.

O diretor de cinema, amigo pessoal do artista, publicou uma mensagem em sua homenagem:

"Estou profundamente triste pela morte de um homem tão visionário e tão humilde. Ralph McQuarrie foi a primeira pessoa que contratei para me ajudar a criar Star Wars. A sua contribuição genial, na forma de incomparáveis pinturas de produção, impulsionaram e inspiraram todo o elenco e a equipe na trilogia original de Star Wars. Quando palavras não podiam transmitir minhas ideias, eu sempre podia apontar para as ilustrações de Ralph e dizer, 'Faça assim'.

Além dos filmes, sua arte tem inspirado pelo menos duas gerações de jovens artistas - todos que aprenderam com Ralph que filmes são projetados, desenhados. Como eu, eles ficaram emocionados por seu olho vivo e sua imaginação criativa, que sempre levaram os conceitos ao seu patamar mais ideal. De muitas formas, ele foi o pai generoso de uma revolução na arte conceitual que nasceu do seu trabalho e que tomou a imaginação de milhares e impulsionou-os para a indústria cinematográfica. Nesse sentido, vamos nos beneficiar da sua obra por muitas gerações. Além disso, sempre lembrarei dele como um amigo e colaborador gentil, paciente e incrivelmente talentoso".

Mais um grande artista que se vai, deixando de herança o visual único e revolucionário que saiu de sua brilhante imaginação. Fica aqui uma singela homenagem a um dos homens que criou o universo no qual passei grande parte da minha infância.

Os Mercenários - "Bastardos Inglórios" e o grande triunfo de Tarantino

Estou devendo uma análise do filme "Bastardos Inglórios" desde o final de 2009. E mais de dois anos depois, ainda não consigo entender ou explicar o que levou os membros da Academia de Cinema a dar o Oscar de Melhor Filme a "Guerra ao Terror" em um ano onde esse filmaço concorria. Até mesmo o outro favorito da ocasião, "Avatar", não era (e continua não sendo) comparável à mais recente obra-prima de Quentin Tarantino.

O grande cineasta símbolo dos anos 90, Tarantino entrou no novo século já brincando com seu estilo pop em produções marcantes e originais como a saga "Kill Bill" e a pequena jóia pouco admirada "À Prova de Morte". Mas todos os filmes com seu nome atrelado tinham um visual de "independente" ou de "feito com dinheiro do próprio bolso" - e isso muitas vezes era proposital e ajudava na aura "cool" deles. Mas faltava um filme de luxo, com grande orçamento, em sua carreira.

Tarantino tinha uma vontade antiga de fazer um filme passado na Segunda Guerra Mundial. Mas muita coisa ja foi feita com esse tema. Então, surgiu a dúvida: que trama completamente original passada nesse período histórico poderia ser filmada como algo nunca antes mostrado no cinema? Resultado: focar em um pelotão de soldados americanos de origem judaica que é reunido com o objetivo de realizar uma missão suicida contra os alemães. Ah sim, seu objetivo é matar o maior número possível de nazistas, da forma mais cruel possível. Pronto, desafio fácil pra mente sádica (e genial) de Tarantino.


E assim nasceu "Bastardos Inglórios", que embora ancorado nessa premissa, é muito mais do que isso. O grande talento que o diretor já tinha de juntar vários personagens diferentes na mesma linha narrativa - mostrado principalmente em "Pulp Fiction" -, têm aqui seu ápice. Acompanhamos um desfile de personagens únicos e carismáticos que sempre adicionam algo à trama a medida em que aparecem. Muito graças à composição feita por cada um dos atores escolhidos. E tirando Brad Pitt, o filme é repleto de pessoas que "conhecemos de rosto mas não lembramos do nome". E é exatamente esse o objetivo - rostos marcantes e inesquecíveis, que por si só já resumem os personagens.

Christoph Waltz levou o Oscar de Coadjuvante por seu Hans Landa frio e calculista, o "Caçador de Judeus" poliglota que conseguia mudar da simpática cordialidade ao mais violento ataque surpresa. E foi justo o prêmio, por ser um personagem muito interessante e repleto de nuances - tantas que fica até difícil de entendê-lo completamente nas poucas cenas em que aparece. Mas o grande destaque do filme é Brad Pitt, em um de seus melhores papéis. Longe da imagem de galã e equilibrando bem canastrice com um tom caricato, seu Aldo Raine é um personagem que não sai da cabeça e rouba a atenção em todos os momentos em que está presente. E ainda prova o carisma do ator (ele é a grande estrela do filme) e seu talento para o humor - as cenas em que ele fala italiano são impagáveis.
Além deles, vale a pena destacar ainda Eli Roth se divertindo como o psicótico Donnie Donowitz; a atriz francesa Mélanie Laurent, a grande revelação do filme no papel mais complexo e desafiador; e uma tímida ponta do comediante Mike Myers - sim, o próprio "Austin Powers", com uma maquiagem irreconhecível.


Mas não são só os personagens que fazem de "Bastardos Inglórios" o grande filme que ele é. Com ele, Tarantino provou seu amadurecimento na direção. Além do desfile de personalidades históricas - Hitler, Goebbels, Winston Churchill, Emil Jannings (ator do cinema mudo) -, incorporadas em seu roteiro, ele orquestra o filme em capítulos distintos que vão completando um mosaico. E as cenas não são frenéticas e corridas como de costume, mas vão evoluindo gradativamente, junto com a tensão. Só pra citar um exemplo, a cena inicial dura mais de 20 nervosos minutos - afinal, com Tarantino NUNCA se sabe o que pode acontecer a seguir. Mesmo que em menor quantidade, suas marcas registradas ainda estão lá: a violência visual, a apresentação estilosa de personagens, e até mesmo sua paixão por pés - dessa vez através de um close nas solas da deslumbrante Diane Kruger. E é ousada e positiva sua escolha por adotar o idioma original de cada região mostrada: se estão na Alemanha, se fala alemão; se estão na França, se fala francês. Nada mais justo, oras!

Mas o grande trunfo de Tarantino é não só se permitir inventar essa trama absurda passada em um período real da história, mas poder reescrever a própria história para dar o final que quer à sua empreitada. E assim ele brinca de Deus e muda o curso da humanidade - aproveitando para agradar todos que sentiram raiva de Hitler e já quiseram uma vingança. Se esses dados aqui analisados não são o suficiente para convencer que "Bastardos Inglórios" é um grande filme (provavelmente o melhor de 2009), pelo menos que eles sirvam para mostrar que Tarantino é um cara que, definitivamente, sabe brincar de fazer cinema.

Cinema Mudo é celebrado com o Oscar 2012 !

MELHOR FILME

"O Artista"

Melhor diretor

Michel Hazanivicus, “O artista”

Melhor ator

Jean Dujardin, “O artista”

Melhor atriz

Meryl Streep, “A Dama de Ferro”

Atriz coadjuvante

Octavia Spencer, “Histórias cruzadas”

Ator coadjuvante

Christopher Plummer, “Toda forma de amor”

Fotografia

“A invenção de Hugo Cabret”

Direção de arte

“A invenção de Hugo Cabret”

Figurino

“O artista”

Maquiagem

Mark Coulier e J. Roy Helland, “A Dama de Ferro”

Melhor filme de língua estrangeira

“A separação”, Irã

Montagem

Kirk Baxter e Angus Wall, “Os homens que não amavam as mulheres”

Edição de som

“A invenção de Hugo Cabret”

Mixagem de som

“A invenção de Hugo Cabret”

Documentário

“Undefeated”

Melhor filme de animação

“Rango”

Efeitos visuais

“A invenção de Hugo Cabret”

Trilha sonora original

Ludovic Bource, “O artista”

Canção original

"Man or Muppet" de “Os Muppets”, Bret McKenzie

Melhor roteiro original

Woody Allen, “Meia-noite em Paris”

Melhor roteiro adaptado

Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash, “Os descendentes”

Curta-metragem

“The Shore”

Curta-metragem documentário

“Saving Face”

Curta-metragem de animação

“The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore”

E assim foi o Oscar 2012! Mais detalhes, pela cobertura exclusiva na página do Kaio No Cinema no Facebook. Não deixe de curti-la para acompanhar as novidades do cinema de forma mais dinâmica!

Ano que vem, tem mais!

Cinema Paradiso - "A Invenção de Hugo Cabret", uma homenagem ao cinema por um de seus mestres

Em 2011, fiz uma matéria em homenagem aos 150 anos de George Méliès. Poucos sabem de quem se trata, mas esse é o homem que criou o cinema tal como o conhecemos, essa fascinante arte onde os sonhos não tem limites e tudo que imaginamos pode ser representado. Só que ele fez isso antes de 1900, ou seja, há mais de um século atrás. Foi basicamente o "pai do cinema", criando efeitos especiais e linhas narrativas para histórias que antes só eram possíveis em livros. Logo, uma pequena matéria celebrando sua vida e carreira era o mínimo que eu, amante da arte que ele ajudou a criar, podia fazer. Mas não era o suficiente, e esse gênio (o primeiro do cinema) merecia algo maior.

E aí entra Martin Scorsese. O mais prestigiado diretor em atividade no mundo - e ídolo desse que vos escreve - é um cara que vive DE cinema e PARA o cinema. Depois de ganhar (finalmente) o Oscar por "Os Infiltrados" (2006) e homenagear os filmes B de terror com "Ilha do Medo"(2009), ele anunciou um projeto infanto-juvenil filmado em 3D. Algo inovador para um diretor marcado por filmes violentos e pesados como "Taxi Driver" e "Os Bons Companheiros". Mas o filme em questão, "A Invenção de Hugo Cabret", é muito mais do que uma aventura para jovens. É uma grande homenagem à sétima arte, dedicada ao homem que a transformou em uma "fábrica dos sonhos". Isso mesmo, dedicada à George Méliès.


Na trama, acompanhamos o novato Asa Butterfield no papel de Hugo, um menino que vive escondido na estação de trem de uma belíssima Paris de 1930. Após a morte do pai (Jude Law em uma discreta e rápida participação), só lhe resta um misterioso robô quebrado, que ele tenta desesperadamente consertar. E nesse ambiente, ele encontra tipos agradáveis como Sr. Frick (Richard Griffiths, o eterno "tio do Harry Potter"), que sempre dá em cima da dona do restaurante (Frances de la Tour) cujo cachorrinho o reprova; a doce florista (Emily Mortimer) que não sabe ser a paixão do rude Inspetor de Polícia (Sacha Baron Cohen); um misterioso velhinho dono da livraria (Christopher Lee, ele mesmo homenageado com um papel à sua altura, aos 89 anos) e uma jovem sonhadora (a talentosa e carismática Chloe Moretz) que tem uma chave com o fecho em forma de coração, exatamente do mesmo tamanho da fechadura existente no robô de Hugo. Esse é o cenário que dá o clima simpático presente até a última cena do filme.

Mas todos esses personagens citados são apenas pontuais no desenrolar da história - exceto o Inspetor vivido por Sacha Baron Cohen, com certo destaque em uma marcante caracterização que lembra seus tempos de Borat. As atenções se recaem sobre o amargurado e solitário dono da loja de brinquedos da estação. Um pouco de cultura geral: Méliès, após ser abandonado por seu público e ter seus filmes queimados e perdidos, se isolou e passou a viver como vendedor de pequenas artimanhas no trem de Paris, onde ninguém o conhecia. Então... Isso mesmo. É o próprio George Méliès, que surge como personagem do filme, em uma interpretação magnífica de Ben Kingsley (que trabalha com Scorsese pela segunda vez, após "Ilha do Medo"). O ator encarna perfeitamente o pioneiro do cinema, obtendo uma semelhança gritante - que lembra a transformação de Merryl Streep em Margareth Tatcher -, principalmente nas cenas dos bastidores de suas produções mudas. Eles ficam tão parecidos que durante o filme várias fotos e imagens do Méliès real são mostradas sem muitos perceberem se tratar de material de arquivo. Sem dúvida, o maior papel do ator desde que ele encarnou Gandhi no filme homônimo que lhe deu o Oscar.


Esse é outro ponto positivo da produção: a grande quantidade de material de arquivo usada. Qual a melhor maneira de homenagear cineastas e o cinema em si? Usando imagens de suas próprias obras, as que entraram para a história da humanidade, de maneira inteligente. E por isso "Hugo" (no original) é um deleite visual para qualquer cinéfilo. A edição sempre eficiente de Thelma Schoonmaker, parceira de longa data de Scorsese, é mais do que suficiente para emocionar e tirar lágrimas daqueles que vivem com a esperança de ficarem eternizados em fotogramas da história do cinema - como é o caso de Scorsese e do próprio autor desta resenha.

E aí que entra a questão do 3D. Artifício considerado por muitos apenas um modo de obter maior bilheteria ou aceitação da nova geração, a profundidade e imersão proporcionada pelo 3D faz a maior diferença quando usada por um diretor que tem noção de como tirar proveito dela. Wim Wenders já deixou isso claro com "Pina", assim como Werner Herzog e seu "Caverna dos Sonhos Esquecidos". O mesmo acontece com Scorsese, que tem seus elaborados movimentos de câmera em total harmonia com os efeitos de terceira dimensão. São os diretores veteranos ensinando os novos a como usar da maneira certa sua própria tecnologia. Curioso, não? Graças a isso, cada cenário é uma aula de direção de arte e algumas cenas ficam cravadas na memória de forma inesquecível tamanha sua beleza.


E quando pensávamos que não tinha como Scorsese melhorar sua filmografia, depois de obras do calibre de "Touro Indomável" e "O Aviador", entre outras citadas anteriormente, eis que ele surge com uma nova obra-prima. E ainda, de forma marota, aproveita para fazer uma ponta no filme como um fotógrafo que registra Méliès em seu estúdio de filmagem - algo que todos que um dia se arrepiaram ao assistir "Viagem à Lua"(1902) pela primeira vez gostariam de presenciar ou fazer parte. Enfim um tributo à altura de George Méliès - feito por um outro grande fã em um filme que remete ao passado ao mesmo tempo em que aponta para o futuro.

11 indicações ao Oscar é pouco. Mais do que um prêmio, "A Invenção de Hugo Cabret" ganhará um lugar na história e no coração de todos aqueles que esperam um dia ter recursos para, através da própria arte, dar aos grandes mestres inspiradores um merecido e sincero "Obrigado". Um brinde a Méliès, a Scorsese e, principalmente, à fantástica fábrica dos sonhos que os dois ajudaram a criar e manter: o cinema.